自然写生于李玉双而言，是他生命中不可分割的一部分。

　　写生之于他，不仅意味着一个探究中西画法的融合体现的途径，也是他作为艺术家的精神坚守。他痴迷于自然界的一草一木，几十年一以贯之地到大自然中写生，并从中收获着快乐。他由衷地热爱写生，认为“画写生，为传达自然之美、光和色彩之美”。从早些年前的水彩写生到近年来的大幅油画、彩墨写生，从对自然风景物理解析般的研究到对中西画法的融合实践，他都取得了丰硕的成果。

　　观李玉双先生的画，犹如在宁静的午夜里聆听一首协奏曲。在清新而略有些寒意的氛围里，弦乐轻盈地奏起，音色清澈而透明，如一泓泉水，随后木管吹奏出悠长而温暖的主题，让人的情感逐渐与旋律线慢慢地交融在一起、画面中的线条在跃动，色块仿佛在吟唱。这是我初次见到他作品的感受。我有些疑惑，这是一位怎样的画家？为什么他的画面有着强烈的旋律感？为什么看完他的作品，总能让人心情能沉静下来？他曾说：“画画是很自然的爱好，发自内心的喜欢。”从他的自述中可看到，他“本学理工，画画乃业余自学、自研。因为学理工，故可探索和研究科学和画理；因为是业余，故可以不受陈规旧矩之束缚。”一个人只有把爱好不作为职业时才可能真正达到心无旁骛、一览众山小的境界。

　　观李玉双作品有一个突出的感受是他对生命的礼赞。他描绘自然界的草木滋长、四季交替，画面中都洋溢着对生命的歌颂，不论是画的最多的速写本还是八尺整纸，在他一天天的执着观察之间，我们看到的不仅是炉火纯青的笔法，更似乎看到了艺术家的烂漫心境和飘逸的思想。阳光和色彩永远都是他画面的主题，清新的空气、透过枝叶缝隙间洒下的光线、勃勃生机的万物……他的画面色彩明快、意蕴深远，有着音乐的流动感。远山、草木、池塘、林地、都是他的主题，但物象本身并不重要，已经幻化为画面中的色块和笔触。在他的作品里，我们看到的花团锦簇的春日，光影斑驳的林荫路，龙潭湖的晚霞、地坛的落叶、冰冻的湖面、秋日的十渡，色调清新明快，野草、杂树、飞叶如跳动的音符，鲜艳的色调铺陈出田园诗般的境界。

　　我们知道，音乐是抽象的，但听觉把它转换成了感官的感受，从而在我们脑海中浮现出真实或虚幻的意象。音乐史学家安勃罗斯说过：“音乐是心灵状态下最伟大的绘画”，康定斯基更是把绘画比作“视觉的音乐”，认为绘画可以像音乐一样表现艺术家的灵魂。李玉双主张绘画可以借鉴音乐的构成手段，追求画面的音乐感。很多画家对绘画的音乐性的追求，实际上是追求抽象的形式美和精神的感染力。康定斯基主张绘画借鉴音乐的构成手段，通过音乐产生色彩的联想，渴望创造纯精神的新艺术，使绘画像音乐那样变得更纯粹。他曾写道：“音乐作品是由抽象的音符组合而成的，绘画的形与色也可当作音符。画面里有内在的音乐、抽象画使得人类的视觉世界响起来。”

　　他也试图在自己的绘画中运用音乐的手段，与音乐相关的元素如旋律、音调、和声、乐器等总能在绘画中找到对应的位置。李玉双对此深有体会，他一直在努力追求画面的音乐感，他很喜欢音乐，幼时的家庭环境给予了他戏曲和西方古典音乐的熏陶，而后音乐的爱好一直伴随着他的生活和绘画，音乐的耳濡目染使他在画面经营中不自觉地把音乐的旋律、节奏、和声、织体融入，那线与色的跃动仿佛是弦乐奏出的涓涓细流；那光与影的交织如同管乐奏出的隆隆春雷；那粗犷的笔触在行走中形成的肌理和充满张力的色块又如同乐队的交响奏出的华彩篇章……

　　如果说色彩是李玉双绘画音乐中的主歌，那么他对画面肌理的处理可以说是副歌部分。他的作品里，我们看到色彩的微妙变化、笔触流动的美感和色块反复叠压出的肌理效果，画面上线条的虚实、粗细变化如音乐中的旋律线起伏回旋、穿插变化，构图上的动与静、色彩的对比与和谐形成了节奏感和韵律感。在笔触和色彩的表现上，大面积涂抹的色块有规律的反复、对比、交错、呼应，加强了节奏感和韵律感。在音乐作品中运用不用的音色与在美术作品中运用不用颜色是极为相似的。音色与颜色同样能给人以明朗、鲜明、温暖、暗淡等感觉。

　　曾有音乐家说过：“声音是听得见的色彩，色彩是看得见的声音。”

　　李玉双的作品，乐感鲜明、诗意盎然，浓烈的色彩和豪放不羁的笔触交相辉映，意象与抒情交融，是光影与色彩的交响。